Wasil Sacharuk (1967-2026) recusou o refúgio da lírica ornamental, construiu uma linguagem brutal: sangue, gesso, mármore, ferro, sal, vísceras.
Na sua obra, a morte não é abstração, mas de lucidez cruel e aceitação estoica. Um confronto honesto com a finitude.
O amor foi descrito com intervenções profundas e por vezes violentas. Tensão entre posse e liberdade.
Sacharuk recusou a fé institucionalizada para situar o divino numa espiritualidade telúrica.
A jornada da alma transita da dor para um estado de leveza, liberdade e autoconsciência.
A alma, que "antes andava amarga", agora está "aliviada". A mudança é enfatizada pela imagem dela "alçada aos ares" e "arremedando animais alados", indicando um desejo de liberdade e ascensão.
A alma se torna uma observadora do cosmo, "assistindo aves atmosféricas" e "aplaudindo aos astros". A menção a "Apolo avermelhar a aurora ametista" traz uma dimensão mitológica e sugere uma nova percepção da beleza do mundo. A alma não apenas voa, mas também se conecta com o universo.
A menção de "aspas abolidas" e a forma como a linguagem é tratada ("antecedem alíneas", "abortam artigos abreviados", "abonam apóstrofos" é uma desconstrução de antigas narrativas que aprisionavam a alma. A ideia de "argumentos acumulados" sugere um processo de autoanálise e redefinição.
Mesmo "ao anoitecer", a alma permanece "ainda acordada", o que indica uma vigilância e uma nova consciência. A imagem de ela estar "acorrentada ao aço" e "abandonar a armadura" é poderosa, simbolizando o abandono de defesas e limitações impostas. O clímax "a alma agora admite arrebentar as algemas" é um reconhecimento de sua própria força e da necessidade de se libertar de qualquer prisão.
"Avoada" nos convida a refletir sobre a capacidade de transformação. Sacharuk nos guia pela jornada de uma alma que, ao se libertar das amarras do passado, encontra a leveza, a contemplação e, finalmente, a coragem de romper com aquilo que a impede de ser livre.
Uma performance visceral de "spoken word", onde a poesia não é apenas lida, mas habitada. Através de uma sequência de poemas que parecem se fundir uns aos outros, somos levados de um quarto silencioso a florestas estranhas e dunas infinitas. A voz, marcada por pausas precisas e uma cadência quase hipnótica, transforma a audição em uma experiência de imersão.
O Despertar da Alma e o Olhar que Transforma
A obra abre com uma entrega absoluta. O eu lírico descreve o ato de observar o outro como um exercício espiritual e físico. A repetição da frase "até o amor verter sobre mim" (trecho do vídeo/poema) funciona como um mantra de purificação e paciência. É o reconhecimento de quem se sabe errante, mas que escolhe a permanência e a respiração como forma de entendimento.
A performance transita para imagens de uma natureza rica e tátil. Há uma sensualidade latente na descrição das dunas e dos frutos, onde o corpo e a terra se confundem. A citação "Círculos perfeitos de areias silenciosas, brancas e finas" (trecho do vídeo/poema) ilustra essa perfeição geométrica do desejo. A figura da "Rosa Trepadeira" surge como uma presença mística que "habita a estranha floresta", conectando o humano ao selvagem de forma lúdica e profunda.
Um dos pontos altos é a exploração da alma que, antes amarga, agora se encontra aliviada. O uso magistral de aliterações com a letra "A" cria um ritmo de ascensão: "A alma agora admite arrebentar as algemas" (trecho do vídeo/poema). É o momento de virada, onde o peso da "armadura" é abandonado em favor da leveza do voo.
A performance captura as nuances do "gerúndio das vontades", oferecendo um refúgio para quem busca na poesia uma forma de respirar em meio ao caos. É um convite para "desadornar" a alma e encontrar beleza na nudez do ser.
É uma obra sobre paciência, sobre o tempo de maturação dos afetos e a coragem de se deixar levar pela maré. A alma, antes acorrentada, aqui encontra o seu céu: "A alma agora admite arrebentar as algemas".
